Symbiotic / Symbiotique
SPAO Gallery: May 18 - September 15, 2024
CAFM: May 10 - October 31, 2024
SPAO and the Canada Agriculture and Food Museum are pleased to present Symbiotic, an exhibition presented at the SPAO Centre Gallery and the Canada Agriculture and Food Museum (CAFM).
Symbiotic features work from photo-based artists across Canada who engage with technology, both old and new, in their artistic practices. The exhibition is spread across two sites: SPAO and CAFM. The artists on view at SPAO use emerging technologies in conjunction with photographic techniques to reinterpret the world around them. At CAFM, the outdoor display features work by artists who work with plants and insects as agents in the production of contemporary art.
From an artist working with a synchrotron beam to replicate the anatomy of a zebrafish, to an artist who reanimates bees in a cyberhive, the works in this exhibition engage contemporary subjects such as ecology, the climate crisis, and threats of extinction through interspecies collaboration and digital futurisms.
All together, this exhibition explores the potential for art and science to come together to showcase the interdependency of all living things.
Le SPAO : Photographic Arts Centre et le Musée de l'agriculture et de l'alimentation du Canada sont ravis de proposer Symbiotique, une exposition présentée à la SPAO Centre Gallery et au Musée de l'agriculture et de l'alimentation du Canada (MAAC).
Symbiotique présente des œuvres d'artistes photographes de partout au Canada qui intègrent la technologie, ancienne et nouvelle, à leurs pratiques artistiques. L'exposition est répartie sur deux sites : le SPAO et le MAAC. Les artistes dont les œuvres sont exposées au SPAO allient technologies émergentes et techniques photographiques pour réinterpréter el monde qui les entoure. Au MAAC, l'installation extérieure présente des œuvres d'artistes qui intègrent les plantes et les insectes comme coproducteurs d'art contemporain.
De l'artiste travaillant avec un faisceau de synchrotrons pour reproduire l'anatomie du poisson-zèbre à celui qui réanime des abeilles dans une cyberruche, les auteurs des œuvres de cette exposition abordent des thèmes contemporains comme l'écologie, la crise climatique et les menaces d'extinction par l'entremise d'une collaboration interespèces et de futurismes numériques.
Sur les deux sites, cette exposition explore le potentiel de collaboration des arts et des sciences en vue de mettre en évidence l'interdépendance de tous les organismes vivants.
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SPAO Gallery:
Jennifer Willet
Marie-Jeanne Musiol
Radha Chaddah
Chris Mhyr
JS Gauthier
Casey Koyczan
Alexander Mcleod
Geoffrey Pugen
Keely Hopkins
CAFM:
Diane Bos
Allanah Vokes
Amanda White
Ruth Marsh
Michael Flomen
Aganetha Dyck + Richard Dyck
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12 - 5pm, Wednesday to Sunday
INSTALLATION VIEWS
THE ARTISTS
Jennifer Willet
Dr. Jennifer Willet is an artist, a Canada Research Chair in Art, Science, and Ecology, a Professor in the School of Creative Arts at the University of Windsor and the Director of INCUBATOR Art Lab, founded in 2009. She is a member of the College of New Scholars, Artists, and Scientists in the Royal Society of Canada. Willet is a leader in the Canadian bioart community and works internationally as an artist and curator in the field. In 2018, Willet opened a new state-of-the-art bioart laboratory, and in 2020 a storefront bioart studio and community engagement centre in Windsor, Ontario, Canada.
Baroque Biology: Paper Theatre presents a feminist science-fiction where biotechnology manifests interspecies collaboration, reproduction, theatre and storytelling as a means to re-imagine our shared biotech future. The artist reimagines laboratory aesthetics as feminine, gawdy, and fantastical in direct contradiction to the norms of contemporary laboratory design. Like fairy tales for a biotech future, each allegory focuses on a mammal, microbe, plant, or insect, that attempts to communicate with humans in a helpful manner about the biological processes they employ for survival, reproduction, or aesthetic pleasure.
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L’artiste Jennifer Willet, Ph. D., est titulaire de la Chaire de recherche du Canada en arts, sciences et écologie, professeure à la School of Creative Arts de l’Université de Windsor et directrice du laboratoire artistique INCUBATOR. Willet est une cheffe de file de la communauté canadienne du bio-art et travaille à l’échelle internationale en tant qu’artiste et commissaire d’exposition dans ce domaine. Willet a mis sur pied un laboratoire artistique ultramoderne (2018), un atelier-boutique (2020) et un centre d’engagement communautaire (2020) axés sur le bio-art à Windsor, en Ontario, au Canada.
Baroque Biology: Paper Theatre présente une science-fiction féministe où la biotechnologie rend manifeste la collaboration entre les espèces, la reproduction, le théâtre et le conte afin de réimaginer notre avenir biotechnologique à tous et à toutes. L’artiste réinvente le laboratoire et son esthétique en tant qu’espace féminin criard et fantaisiste, en contradiction directe avec les normes de conception des laboratoires contemporains. Véritables contes de fées pour un avenir biotechnologique, chaque allégorie se concentre sur un mammifère, un microbe, une plante ou un insecte qui tente de communiquer avec l’humain de manière utile sur les processus biologiques qu’il utilise pour sa survie, sa reproduction ou son plaisir esthétique.
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@incubatorartlab @jenniferwilletbioart
Image detail by Justin Elliott
Marie Jeanne Musiol
Marie-Jeanne Musiol creates images and experimental videos with the luminous imprints of plants that she records in electromagnetic fields. These bodies of light are expressed in hundreds of images assembled as an “energy herbarium”operating at the crossroads of botany and electrophotography. She also extracts mirror images of the cosmos enfolded in radiant coronas suggestive of a holographic universe. Her "energy botany" is an invitation to see the universe differently - a place where open-ended sensibilities can accommodate both hard science and metaphysical approaches within a worldview. Her photographs, light boxes, installations and videos have been exhibited in galleries and museums in Canada and abroad.
Over the course of an unusual journey, I record traces of the hundreds of leaves and radiating objects that manifest as Bodies of Light. These delicate interfaces operate at the intersection of two reactive phenomena - photography and electromagnetism. Their luminous imprints fixed on silver film allow us to see precisely how our transactional exchanges with matter and nature are organized in the world of energy.
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Marie-Jeanne Musiol crée des images et des vidéos expérimentales à partir d’empreintes lumineuses de plantes qu’elle enregistre dans des champs électromagnétiques. Ces corps lumineux s’expriment par le biais de centaines d’images rassemblées pour former un « herbier énergétique » qui s’inscrit à la croisée de la botanique et de l’électrophotographie. Elle extrait également des images inverses du cosmos enveloppé dans des couronnes rayonnantes qui suggèrent un univers holographique. Sa « botanique énergétique » est une invitation à voir l’univers sous un angle différent, à le percevoir comme un lieu où les esprits ouverts peuvent faire coexister les sciences exactes et les approches métaphysiques au sein d’une seule et même vision du monde. Ses photographies, boîtes lumineuses, installations et vidéos ont été exposées dans de multiples galeries et musées, autant au Canada qu’à l’étranger.
Dans Bodies of Light, Musiol enregistre les traces de centaines de feuilles et d’objets rayonnants qui se manifestent ainsi sous la forme de corps lumineux. Ces délicates interfaces fonctionnent à l’intersection de deux phénomènes réactifs : la photographie et l’électromagnétisme. Leurs empreintes lumineuses fixées sur film argentique nous permettent de percevoir avec précision la manière dont nos échanges transactionnels avec la matière et la nature s’organisent dans le monde de l’énergie.
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Radha Chaddah
Radha Chaddah is a Toronto-based visual artist and scientist. Radha makes art about invisible realities using light as her primary medium. Her work examines the interconnectedness of our material reality from the micro to the macro. Radha uses the tools of research science to grow cells using embedded fluorescent light-emitting molecules. She examines these cells and myriad other fragments of nature using a variety of imaging systems from light-based laser confocal fluorescent microscopes to non-light-based, ultra-high magnification scanning electron systems. Radha is the founder of Under 5 Studio, which brings together traditional and new media artists to produce work for public exhibition.
Beneath Us is a photographic and sonic installation, produced by the collaboration of Radha Chaddah and Dan Bédard. The subject matter is the hidden realms that exist at a scale invisible to us. Chaddah removed tiny specks of wax from the bottom of a beehive, coated them in gold and photographed them using a scanning electron microscope that can see 180,000 times life size. This work symbolizes the invisibility of non-human narratives, the essential interrelatedness and interdependency of living things, and the beauty and fragility of these relationships.
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Radha Chaddah est une artiste visuelle, une scientifique et la fondatrice du Under 5 Studio. Chaddah crée des œuvres d’art sur les réalités invisibles en utilisant la lumière comme principal moyen d’expression. Son travail examine les interconnexions qui composent notre réalité matérielle, du micro au macro. Chaddah utilise les outils de la recherche scientifique pour cultiver des cellules à l’aide de molécules fluorescentes émettrices de lumière. Elle examine ces cellules et une myriade d’autres fragments de la nature à l’aide de divers systèmes d’imagerie comprenant des appareils qui sont basés sur la lumière, comme le microscope confocal à balayage laser à fluorescence, et d’autre qui ne le sont pas, comme le microscope électronique à balayage à très fort grossissement.
Beneath Us est une installation photographique et sonore, fruit d’une collaboration entre Radha Chaddah et Dan Bédard. L’œuvre aborde le thème des domaines cachés qui existent à une échelle qui nous est invisible. Chaddah a prélevé de minuscules grains de cire au fond d’une ruche et les a recouverts d’or avant de les photographier à l’aide d’un microscope électronique à balayage capable de produire une image qui multiplie par 180 000 fois la taille réelle des grains. Cette œuvre symbolise l’invisibilité des récits non humains, l’interdépendance essentielle des êtres vivants, ainsi que la beauté et la fragilité de ces liens.
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Chris Myhr
Chris Myhr is an interdisciplinary artist working with sound, the moving image, photography, electronics, and media installation. His work explores intersections between art, ecology, and science - with an emphasis on embodied experience, materiality, and practices of “deep listening” (and looking). Myhr completed undergraduate studies at Simon Fraser University, and the University of Lethbridge, before finishing graduate work at NSCAD University. He is based in Hamilton, Ontario, and is a professor in the Department of Communication Studies & Media Arts at McMaster University.
Blue-green algae is a toxic photosynthetic bacteria, currently blanketing large sections of the Great Lakes as the result of warming seasonal temperatures, agricultural trends, and wastewater overflow.
Suspensions simultaneously reference the formal properties of microscopic and telescopic imaging, and gesture toward the idea that thinking through complex ecological (and existential) issues such as the current climate crisis will necessitate perspectives that transcend simplistic delineations such as micro/macro, here/there, local/global.
Drops of contaminated water are evaporated on scientific glass and lens elements harvested from data projectors. Layers of glass are stacked, arranged, and film-scanned to create large-scale digital images.
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Chris Myhr est un artiste interdisciplinaire qui travaille avec le son, les images en mouvement, la photographie, l’électronique et les installations médiatiques. Son travail explore les intersections entre l’art, l’écologie et la science. Ses œuvres mettent l’accent sur l’expérience incarnée, la matérialité et les pratiques « d’écoute (et d’observation) profonde ». Myhr a suivi des études universitaires de premier cycle à l’Université Simon Fraser et à l’Université de Lethbridge, avant de terminer des études de deuxième cycle à l’Université NSCAD. Il est professeur au département des communications et des arts médiatiques de l’Université McMaster.
Les algues bleues sont des bactéries photosynthétiques toxiques qui recouvrent actuellement de grandes parties des Grands Lacs en raison du réchauffement des températures saisonnières, des tendances agricoles et du débordement des eaux usées.
Suspensions fait référence aux propriétés formelles de l’imagerie microscopique et télescopique tout en suggérant du même souffle que pour engager toute réflexion sur des questions écologiques (et existentielles) complexes telles que la crise climatique actuelle, il sera nécessaire d’avoir des perspectives qui transcendent les délimitations simplistes telles que micro/macro, ici/ailleurs, local/mondial.
Des gouttes d’eau contaminée sont évaporées sur des lentilles et instruments de verre scientifiques provenant de vidéoprojecteurs. Ces couches de verre sont empilées, disposées et numérisées à l’aide d’un analyseur de film pour créer des images numériques à grande échelle.
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Jean-Sébastien (JS) Gauthier
Jean-Sébastien (JS) Gauthier is a sculptor and media artist who adopts diverse forms of inquiry and experimentation to create immersive artworks. To this end, he deploys an interdisciplinary mix of approaches ranging from traditional sculpture practice, interactive video production, performance art, 3D rendering, and most recently cutting-edge scientific imaging technologies.
The works that make up Dans la Mesure (Within Measure) explore the physical similarities between human beings and animals through close collaboration with scientists working in cellular and evolutionary biology. By exploring a parity between the species, this project sets out to challenge the idea of the world’s lost enchantment through new scientific discoveries that disrupt traditional knowledge and call for a redefinition of the sublime.
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Jean-Sébastien (JS) Gauthier est un sculpteur et artiste médiatique qui adopte diverses formes de recherche et d’expérimentation pour créer des œuvres d’art immersives. À cette fin, il déploie un mélange interdisciplinaire d’approches englobant la pratique sculpturale traditionnelle, la production de vidéos interactives, l’art de performance, le rendu 3D et, plus récemment, les technologies d’imagerie scientifique de pointe.
Les œuvres qui composent Dans la Mesure (Within Measure) explorent les similitudes physiques qui existent entre les êtres humains et les animaux, par le biais d’une étroite collaboration avec des scientifiques qui travaillent dans le domaine de la biologie cellulaire et de l’évolution. En explorant une parité entre les espèces, ce projet vise à remettre en question l’idée d’une féérie disparue de notre monde grâce à des découvertes scientifiques qui bouleversent les connaissances traditionnelles et appellent à une redéfinition du sublime.
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Casey Koyczan
Casey Koyczan is a Dene interdisciplinary artist using various mediums to communicate how culture and technology can grow together in order for us to develop a better understanding of who we are, where we come from, and what we will be. He creates with whatever tools necessary to bring an idea to fruition, and specializes in sculpture, installation, 3D/VR/AR/360, video, and audio works.
This body of work was created by re-imagining materials from Indigenous culture as an embodiment of human characteristics within a 3D environment to translate as surreal beings, creatures, and to bring out their spirit.
Drawing inspiration from such mediums and materials as moose/caribou hair tufting, beadwork, hide-tanning and quillwork, these works showcase surreal transformations of how they are interpreted and appreciated. As an artist who has loved these materials since childhood but has not avidly used them in a physical sense, my approach has allowed me to work with them in a completely different way with digital influence and being able to implement physics properties.
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Casey Koyczan est un artiste interdisciplinaire déné qui utilise diverses techniques pour articuler la façon dont la culture et la technologie peuvent se développer ensemble et ainsi nous fournir une meilleure compréhension de ce que nous sommes, de là où nous venons et de ce que nous deviendrons. Il utilise tous les outils nécessaires pour créer et concrétiser une idée, mais se spécialise dans la sculpture, l’installation, la 3D/RV/RA/360°, la vidéo et l’audio.
Cet ensemble d’œuvres a été créé en réinterprétant des matériaux issus de la culture autochtone comme une incarnation de caractéristiques humaines au sein d’un environnement 3D pour les traduire en êtres surréalistes, en créatures, et ainsi faire ressortir leur esprit. S’inspirant de techniques et de matériaux tels que le touffetage de poils d’orignal ou de caribou, le perlage, le tannage de peaux et le piquage, ces œuvres présentent des transformations surréalistes de la façon dont elles sont interprétées et appréciées. En tant qu’artiste qui adore ces matériaux depuis l’enfance, mais qui ne les a que peu utilisés dans un sens physique, l’approche de Koyczan lui a permis de les travailler d’une manière complètement différente grâce à l’influence du numérique
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Alexander McLeod
While a photo-based artist, Toronto-based Alexander McLeod has collaborated with fashion and music artists in new media, like Gord Downie, Nelly Furtado, Nike and Condé Nast. In his artistic practice, McLeod constructs hyperrealistic 3-D environments using CGI technologies. He is interested in the interconnection of everything. He creates forms to act as archetypes to illustrate this idea. Palpitating with energy, these digital forms stretch and pull amongst themselves, only to abruptly recoil back into a singular shape.
McLeod stages otherworldly scenes that oscillate between hybrid spaces of the real and virtual; the organic and the manufactured.
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Alex McLeod produit des scènes oniriques qui oscillent entre les espaces hybrides du réel et du virtuel, de l’organique et du fabriqué.
Bien qu’artiste photographe d’abord, Alex McLeod a collaboré avec des artistes de la mode et de la musique, comme Gord Downie, Nelly Furtado, Nike et Condé Nast, pour des projets utilisant les nouveaux médias. La pratique artistique de Mcleod consiste à construire des environnements 3D hyperréalistes qui utilisent les technologies de génération d’images par ordinateur. Il s’intéresse à l’interconnexion entre toutes les choses. Il crée des formes qui agissent en tant qu’archétypes pour illustrer cette idée. Regorgeant d’énergie, ces formes numériques s’étirent et se repoussent les unes les autres, avant de redevenir brusquement une seule forme.
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Geoffrey Pugen
Geoffrey Pugen is an artist experimenting at the intersection of technology and nature through video, photo and installation. Thematically, Pugen contemplates speculative futures, transhumanism, the impact of nature on society and conflicts between the virtual and the real. His most recent sculptural work integrates video screen technology into architectural forms, creating spatially-synced multi-screen installations.
In Weather Stations humans cease to exist and nature is left to flourish, forming an unexpected partnership with autonomous technology. Human presence is remembered by screens and manifests in the figurative weather towers, which continue to monitor the now hyper-flourishing ecological world, predicting the posthuman future for their own survival.
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Geoffrey Pugen est un artiste qui mène des expériences à la croisée des chemins de la technologie et de la nature en utilisant la vidéo, la photo et l’installation. Sur le plan thématique, Pugen réfléchi aux futurs possibles, au transhumanisme, à l’impact de la nature sur la société et aux conflits entre le virtuel et le réel. Ses travaux sculpturaux les plus récents intègrent des écrans vidéo dans des formes architecturales, créant ainsi des installations multiécrans synchronisées dans l’espace.
Dans Weather Stations, les humains cessent d’exister, alors que la nature s’épanouit et forme un partenariat inattendu avec la technologie autonome. Seuls souvenirs de la présence humaine : les écrans et les tours météorologiques figuratives, qui continuent à surveiller le monde écologique désormais hyper florissant, prédisant l’avenir posthumain pour leur propre survie.
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Keely Hopkins
Keely Hopkins is a visual artist based in Kjipuktuk (Halifax). Born in Sik Ooh Kotoki (Lethbridge), Alberta on Treaty 7 Territory, Hopkins completed a Bachelor of Science in Biology in 2019 at the University of Lethbridge before pursuing visual art at NSCAD University. They graduated with a BFA in Photography and a minor in Art History in 2023.
Hopkins’ practice is built on a photographic foundation that incorporates sculpture and video. Highly experimental, they focus on material and a process-based approach to make work. Hopkins is interested in speaking directly to the historical link between science and photography to explore objectivity, interconnectivity, time, and awe.
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Keely Hopkins est spécialiste de l’art visuel et demeure à Kjipuktuk (Halifax). Originaire de Sik Ooh Kotoki (Lethbridge), en Alberta, sur les terres couvertes par le Traité no 7, Hopkins a obtenu un baccalauréat en biologie de l’Université de Lethbridge en 2019 avant de poursuivre ses études en arts visuels à l’Université NSCAD.
La pratique d’Hopkins repose sur la photographie tout en intégrant la sculpture et la vidéo. Privilégiant un style très expérimental, Hopkins se concentre sur les matériaux et sur une approche axée sur le processus afin de créer ses œuvres. Hopkins souhaite aborder directement le lien historique entre la science et la photographie afin d’explorer l’objectivité, l’interconnectivité, le temps et l’émerveillement.
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CURATORS
Katie Lydiatt
Katie Lydiatt is an arts administrator, writer, curator and researcher living and working on the unceded territory of the Algonquin, Anishinabek people (Ottawa.) She holds an MA in Art History from Carleton University, and a Curatorial Studies diploma from the Institute of Comparative Studies in Literature, Art and Culture. She is currently the Gallery Programming Manager and Residency Coordinator at SPAO.
She has held positions at SAW Gallery, The Carleton University Art Gallery, The National Gallery of Canada, and served as Editor for the RENDER Graduate Journal of Arts and Culture in 2019.
